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S A M U E L I S B A U M G A R T E G A L E R I E S A M U E L I S B A U M G A R T E G A L E R I E K O S M O S K O S M O S OTTO PIENE OTTO PIENE
OTTO PIENE K O S M O S K O S M O S MALEREI 22. NOVEMBER 2025 - 21. FEBRUAR 2026 SAMUELIS BAUMGARTE GALERIE Niederwall 10 D – 33602 Bielefeld t +49 (0) 521 56031 0 info@samuelis-baumgarte.com www.samuelis-baumgarte.com
OTTO PIENE K O S M O S K O S M O S OTTO PIENE – DER KOSMOS ALS LEBENDIGE ENERGIE Der Kosmos – als unendlicher Raum, als lebendige Ordnung, als Sinnbild schöpferischer Energie – war das zentrale Leitmotiv im Werk Otto Pienes (1928–2014). Für ihn war der Kosmos kein fernes Sternenbild, sondern ein pulsierender Organismus aus Licht, Luft, Feuer und Bewegung. In einer Zeit, in der die Menschheit das Weltall zu erobern begann, suchte Piene in der Kunst eine neue Einheit von Wissenschaft und Spiritualität. Seine Werke sind Ausdruck eines Denkens, das Natur und Technik, Materie und Geist, Sichtbares und Unsichtbares miteinander verbindet. Schon früh wandte sich Piene gegen das expressive, subjektive Pathos des Informel. Gemeinsam mit Heinz Mack und später Günther Uecker gründete er 1957 in Düsseldorf die Gruppe ZERO, deren programmatischer Neuanfang – „der Countdown auf null“ – eine radikale Abkehr von den dunklen Erfahrungen der Kriegszeit bedeutete. ZERO war für Piene mehr als eine ästhetische Bewegung: Es war ein geistiges Manifest für Licht, Klarheit und Reinheit. „Licht ist die erste Realität“, schrieb Piene 1961 – und damit zugleich das Credo eines neuen Weltbildes. DER AUFBRUCH INS LICHT Bereits in den späten 1950er-Jahren entwickelte Piene seine ersten Rasterbilder, in denen Lichtpunkte zu rhythmischen Mustern verschmelzen. Die strukturierten Oberflächen dieser frühen Werke sind das Resultat präziser Ordnung und meditativer Wiederholung – Mikrokosmen des Lichts, die in ihrer seriellen Klarheit eine kosmische Dimension eröffnen. Parallel zu Heinz Macks dynamischen Lichtreliefs und Günther Ueckers Nagelfeldern formte Piene das dritte, energetische Prinzip der ZERO-Trinität: die Bewegung als Manifestation von Energie. 2 | 3
Mit Beginn der 1960er-Jahre weitete sich Pienes künstlerisches Denken in den Raum. Er experimentierte mit Feuer, Rauch, Wind und Projektionen, schuf Lichtballette, flüchtige Himmelsinszenierungen und partizipative Aktionen, die den Betrachter unmittelbar einbezogen. Seine Arbeiten wurden bald international gezeigt – auf der documenta 3 (1964), in der Howard Wise Gallery in New York, im Museum of Modern Art, im Guggenheim Museum und später in großen ZERO-Retrospektiven von Amsterdam bis Tokyo. DAS FEUER ALS SCHÖPFERISCHES PRINZIP In den 1970er- und 1980er-Jahren entfaltete Piene sein Konzept der Feuerbilder, mit denen er das Element Feuer als schöpferische Energie künstlerisch erfahrbar machte. Der Malgrund wurde zur Bühne physikalischer Prozesse: Hitze, Rauch, Luftzug und Explosion gestalteten das Bild. Diese Transformation des Stofflichen zu einem Ausdruck des Immateriellen machte Piene zu einem der konsequentesten Vertreter einer Kunst, die Energie selbst zum Medium erhob. Zugleich schuf Piene in diesen Jahrzehnten monumentale Projekte wie seine „Sky Events“ – leuchtende, aufsteigende Skulpturen aus Stoff und Licht, die den Himmel zum Ausstellungsraum machten. In Osaka (Expo 1970), New York (1977), Berlin (1985) und später bei den Olympischen Spielen in Seoul (1988) entfaltete er gigantische, schwebende Formen, die das Spannungsfeld zwischen Natur, Technologie und menschlicher Imagination sichtbar machten. DAS SPÄTE WERK – KOSMOS UND RESONANZ Die in dieser Ausstellung gezeigten Arbeiten, beginnend mit Pirouette und Loop (beide 1993) sowie Unfold (1993´/94), markieren den Übergang in Pienes Spätwerk, das von einer neuen, inneren Gelassenheit geprägt ist. Bewegung, Drehung und Strömung werden zu Symbolen eines universellen Rhythmus, der das All und das Individuum gleichermaßen durchdringt. In Black Spider (1994) verdichtet sich diese Dynamik zu einem vibrierenden Netz aus Linien und Schatten – eine visuelle Chiffre jener unsichtbaren Kräfte, die den Raum strukturieren. Ab Mitte der 1990er-Jahre intensivierte Piene die Integration von Feuer, Rauch und Energie. In Antigravity (1997) und Cockeye (1997/2001) scheint sich die Materie vom Grund der Leinwand zu lösen – als würde die Schwerkraft aufgehoben. Diese Werke sind nicht gemalt, sondern geformt durch physikalische Prozesse. In Hot Pink und La Reine est Morte (beide 1997/98) verschmilzt das Feuer mit der Farbe; Zerstörung und Schöpfung werden eins. Mit Bologne (Eye) und Black Bride (beide 1999) öffnet sich Pienes Werk dem Symbolischen: Das Auge, Sinnbild des Sehens und Erkennens, wird zum Übergang zwischen Mikro- und Makrokosmos. Hier verschmelzen Wahrnehmung und Erkenntnis, Körper und Raum, Inneres und Äußeres zu einem energetischen Ganzen. 4 | 5
Die frühen 2000er-Jahre führen zu einer neuen Balance. Werke wie Red Bread Churning (2000), Fire and Ice X (2000/01) und Das Rote Nordmeer (2000/03) zeigen den Kosmos als harmonisches Gleichgewicht der Gegensätze – Hitze und Kälte, Bewegung und Stillstand, Expansion und Ruhe. In Magma (2006/07) und Kuesel (2008) verwandelt sich die eruptive Kraft seiner Feuerbilder in ein stilles, inneres Leuchten. Rauch und Glut werden zu atmenden Farbräumen, die von einer fast musikalischen Rhythmik durchzogen sind. Die Leinwand ist nun Resonanzfeld universaler Energie – ein kontemplativer Kosmos aus Licht, Bewegung und Erinnerung. DER KOSMOS ALS VERMÄCHTNIS Otto Piene verstand seine Kunst als Brücke zwischen Technik und Poesie. Er arbeitete mit Ingenieuren, Physikern und Raumfahrtorganisationen zusammen, darunter mit der NASA, um Kunst und Forschung in Einklang zu bringen. Seine letzte große Ausstellung, „More Sky“ (Neue Nationalgalerie, Berlin 2014), wurde kurz nach seinem Tod zu einer Hommage an dieses Lebenswerk. Sie fasste die Essenz seines Denkens zusammen: den Himmel als Atelier, den Kosmos als lebendige Energie, den Menschen als Teil eines universellen Schöpfungsprozesses. Für Piene war das Licht das Urprinzip allen Seins – nicht nur als physikalisches Phänomen, sondern als geistige Substanz. Seine Kunst ist Zeugnis eines Denkens, das Schönheit als Ausdruck von Ordnung und Energie versteht. In seinen Feuerbildern, Rauchformationen und Himmelsprojekten schuf er Bilder einer Welt, die sich fortwährend verwandelt. So erscheinen Pienes Werke heute als Vermächtnis eines Künstlers, der den Kosmos nicht nur betrachtete, sondern ihn in sich trug – als lebendige Energie, als poetische Form und als Hoffnung auf eine Einheit von Mensch, Natur und Universum. Alexander Baumgarte
1992 CALIFORNIA 1992/94 Tempera-Gouachen auf Karton 76 x 101,6 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 6 | 7
SPIN 1993/94 Feuer und Gouachen auf Papier 76 x 101,6 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 10 | 11
BLACK SPIDER 1994 Tempera-Gouachen auf Papier 76,5 x 112,5 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt
CIKADA 1994 Tempera-Gouachen auf Papier 80 x 120,5 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 18 | 19
1997 ANTIGRAVITY 1997 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 122 x 163 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 20 | 21
COCKEYE 1997/2001 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 102 x 81 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt
LA REINE EST MORTE 1997/98 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 200 x 260 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 24 | 25
HOT PINK 1997/98 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 90 x 110 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 26 | 27
1999 BLACK BRIDE 1999 Tempera-Gouachen auf Büttenpapier 65,5 x 103 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 28 | 29
BOLOGNE (EYE) 1999 Tempera-Gouachen auf Papier 75 x 105,5 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 30 | 31
2000 DAS ROTE NORDMEER 2000/03 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 81 x 102 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 32 | 33
FIRE AND ICE X 2000/01 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 81 x 102 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 46 | 47 34 | 35
RED BREAD CHURNING 2000 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 81 x 102 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 36 | 37
2006 MAGMA 2006/07 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 80 x 100 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 38 | 39
2008 KUESEL 2008 Feuer, Rauch und Öl auf Leinwand 128 x 128 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 40 | 41
LICHT, BEWEGUNG UND DAS GRENZENLOSE FELD DER KUNST 1953 bis 1957 Philosophie an der Albertus-Magnus-Universität Otto Piene wurde am 18. April 1928 im westfälischen Bad Laasphe geboren und wuchs in Lübbecke auf. Wie viele seiner Generation erlebte er den Zweiten Weltkrieg als tiefgreifende Zäsur: 1944 wurde er noch als Jugendlicher als Flakhelfer eingezogen und geriet kurzzeitig in Kriegsgefangenschaft, aus der er 1946 entlassen wurde. Diese prägenden Jahre zwischen Zerstörung, Tod und Neubeginn formten sein Verständnis von Kunst als existenziellem Ausdrucksmittel. Piene sah in der Kunst nicht nur ein Mittel der Reflexion, sondern ein Instrument der Wiederbelebung: Sie sollte Licht, Energie und die Möglichkeit eines Neubeginns vermitteln. 1947 heiratete er Hildegard (Hilde) Struckmann, und am 6. Juli desselben Jahres wurde ihre erste Tochter Annette geboren. 1948 zog Piene nach München, um die Blocherer-Schule, eine private Kunstschule, zu besuchen. Bereits hier begann er, sich von traditioneller Malerei zu lösen und experimentelle Ansätze zu entwickeln. Von 1949 bis 1950 studierte er Malerei und Kunsterziehung an der Akademie der Bildenden Künste bei Willy Geiger, dessen präziser Umgang mit Farbe, Form und Licht seine frühe Auffassung von Ordnung und visueller Harmonie tief beeinflusste. 1950 übersiedelte Piene nach Düsseldorf und trat in die Staatliche Kunstakademie ein, wo er bald zu einer treibenden Kraft der jungen Avantgardegeneration wurde. Von 1951 bis 1964 arbeitete Piene als Dozent an der Modeschule in Düsseldorf. Parallel studierte er von in Köln. Dieses Studium vertiefte seine Reflexion über Wahrnehmung, Raum, Zeit und das Verhältnis von Mensch und Natur. Philosophische Konzepte wie die Idee des „Raums als Erfahrungsmedium“ und die Bedeutung der menschlichen Sinneswahrnehmung flossen direkt in seine künstlerische Praxis ein. Am 19. September 1953 wurde sein Sohn Herbert Otto geboren. 1955 bezog Piene sein erstes Atelier in der Gladbacher Straße 69, das er sich mit Heinz Mack, Hans Salentin, Kurt Link und Charles Paul Wilp teilte. Das Atelier entwickelte sich zu einem pulsierenden Zentrum kreativer Experimente, Austausch und gemeinsamer künstlerischer Visionen. 1957 gründete er zusammen mit Heinz Mack die Künstlergruppe ZERO, deren Ziel es war, die Kunst vom emotionalen Expressivismus des Informel zu lösen und stattdessen eine neue, universelle Ordnung zu schaffen. Bei der Eröffnung der Galerie Schmela lernte er Yves Klein kennen, dessen Konzept der immateriellen Kunst Pienes eigene Ideen zur Lichtkunst inspirierte. Am 27. Juli 1957 wurde seine Tochter Claudia geboren. 1958 publizierten Piene und Mack die ersten beiden Ausgaben des ZERO-Magazins, die als programmatische Manifestationen der Gruppe verstanden werden können: Sie enthielten theoretische Texte, Fotografien von Arbeiten, Essays über Licht, Raum und Bewegung und dokumentierten die neue künstlerische Sprache der Null. 1959 fand Pienes erste Einzelausstellung in der Galerie Schmela statt, in der er seine Rasterbilder und Rauchzeichnungen präsentierte. Die Rasterbilder waren Ausdruck einer neuen visuellen Ordnung. Auf Basis serieller Systeme arrangierte Piene Punktreihen, Lochmuster und geometrische Strukturen, die ein dynamisches Spiel aus Licht, Schatten und räumlicher Tiefenwirkung erzeugten.
Das Werk war dabei nicht nur flächige Komposition, sondern ein sensorisches Ereignis: je nach Lichteinfall und Position des Betrachters veränderte sich die Wahrnehmung der Fläche. Die Rasterbilder symbolisierten für Piene die Harmonie zwischen Naturgesetz und menschlicher Ordnung. Die Rauchbilder waren hingegen ein Spiel mit dem Zufall und der Energie der Natur. Mit Feuer, Ruß und kontrollierter Explosion erzeugte Piene auf Papier und Leinwand Spuren von Vergänglichkeit, Entmaterialisierung und physischer Kraft. Sie verbinden eine strenge Komposition mit unvorhersehbarer Dynamik. Dieses Prinzip – der Dialog zwischen Kontrolle und Zufall – zieht sich durch sein gesamtes Schaffen. Hier zeigt sich Pienes Interesse an Prozessen, die sich dem Künstler teilweise entziehen, aber dennoch gesteuert werden können. 1959 erhielt Piene den Deutschen Kunstpreis der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden sowie den Josef-Pankofer-Preis in München und nahm an der documenta 2 in Kassel teil. 1961 schloss sich Günther Uecker der ZERO-Gruppe an, und die dritte Ausgabe des ZERO-Magazins erschien. 1962 begann Piene eine Freundschaft mit Lucio Fontana, dessen Auseinandersetzungen mit Raum und Material Pienes eigene Arbeit in Licht, Raum und Bewegung nachhaltig beeinflussten. 1963 erhielt ZERO den Ersten Preis der IV. Biennale Internazionale d‘Arte in San Marino. 1964 nahm Piene eine Gastprofessur an der University of Pennsylvania in Philadelphia an und beteiligte sich an der documenta 3 in Kassel. In diesem Jahr erfolgte die Scheidung von Hilde Piene. 1965 übersiedelte Piene nach New York, wo er 1967 Nan Rosenthal heiratete. Im selben Jahr gestaltete er den deutschen Pavillon auf der Biennale di Venezia, erhielt den Cultural Relations Prize der Grafik-Biennale in Ljubljana und hatte seine erste umfassende Retrospektive im Museum am Ostwall in Dortmund. 1968 wurde ihm der Konrad-von-Soest-Preis des Landschaftsverbandes Westfalen-Lippe (LWL-Museum, Münster) verliehen. Von 1968 bis 1971 war Piene Fellow am Center for Advanced Visual Studies (CAVS) des MIT in Cambridge, das 1967 von György Kepes gegründet wurde. Hier begann er, Licht, Luft, Feuer und kinetische Elemente als künstlerisches Material zu begreifen. Die Sky Art-Aktionen, bei denen farbige, mit Luft gefüllte Skulpturen in den Himmel stiegen, symbolisieren Pienes Verständnis von Kunst als Ereignis: Sie integrieren Naturkräfte, Technologie und menschliche Wahrnehmung zu einem transformativen Erlebnis. 1972 gestaltete Piene die Eröffnungs- und Schlussfeiern der Olympischen Spiele in München, gewann den ersten Preis der 8. Biennale Exhibition of Prints des National Museum of Modern Art in Tokio, und seine Tochter Chloe wurde am 10. Januar geboren. Von 1972 bis 1994 leitete er das CAVS als Direktor. In dieser Zeit entstand eine Vielzahl interdisziplinärer Projekte, die Wissenschaft, Technologie und Kunst miteinander verbanden. Seine Experimente mit Lichtballetten, bewegten Projektionen und kinetischen Installationen revolutionierten die Wahrnehmung von Raum, Bewegung und temporaler Erfahrung in der Kunst. 44 | 45
1975 begegnete Piene Elizabeth Goldring, 1976 heiratete er Mira Cantor. 1977 nahm er an der documenta 6 in Kassel teil. In den 1980er Jahren organisierten Piene und Elizabeth Goldring mehrere „Sky Art Conferences“: 1981 am MIT, 1982 in Linz, 1983 in München und 1986 erneut am MIT. Diese Konferenzen verknüpften wissenschaftliche Theorie, technische Innovation und künstlerische Praxis und führten zu neuen Formen großflächiger, temporärer Kunstaktionen im öffentlichen Raum. 1985 nahm Piene an der Biennale von São Paulo teil, 1988 heiratete er Elizabeth Goldring. Zwischen 1989 und 1990 war er Beiratsvorsitzender der Ministerien für Wissenschaft und Forschung des Landes Nordrhein-Westfalen, Vorsitzender des Beirats zur Planung und Vorbereitung der Kunsthochschule für Medien in Köln (KHM) sowie Kuratoriumsmitglied des Zentrums für Kunst und Medientechnologie (ZKM) in Karlsruhe. 1994 erhielt Piene die Ehrendoktorwürde der University of Maryland in Baltimore, 1996 den Skulptur- Preis der American Academy of Arts and Letters in New York. 2002 veranstaltete er zusammen mit Elizabeth Goldring die „Sky Art Conference 2002“ in Delphi und Ikaria, Griechenland. 2003 wurde er mit der Joan Miró-Medaille der UNESCO und dem Leonardo da Vinci World Award of Arts ausgezeichnet. 2008 gründete er zusammen mit Heinz Mack, Günther Uecker und der Stiftung Museum Kunstpalast die ZERO-Foundation in Düsseldorf und erhielt den Großen Kulturpreis der Sparkassen-Kulturstiftung Rheinland sowie den Preis der Kulturstiftung Dortmund für Bildende Kunst. 2013 wurde ihm der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main verliehen, und 2014 erhielt er den ersten Deutschen Lichtkunstpreis vom Kunstmuseum Celle mit Sammlung Robert Simon. Otto Piene starb am 17. Juli 2014 in Berlin während der Vorbereitungen zu seiner Retrospektive in der Neuen Nationalgalerie. Sein Tod markierte das Ende einer Epoche, doch sein Werk lebt weiter. Pienes Kunst bleibt ein Synonym für die Verbindung von Licht, Bewegung, Natur und Technologie. Rasterbilder, Rauchzeichnungen, Lichtballetts und Sky Art-Aktionen zeigen, wie er Elementarkräfte in den kreativen Prozess integrierte und den Betrachter in dynamische, multisensorische Erfahrungen einband. Sein Vermächtnis ist die Idee, dass Kunst nicht nur Objekte schafft, sondern Ereignisse, die die Wahrnehmung erweitern, die Sinne berühren und die Grenzen zwischen Wissenschaft, Technik und Poesie aufheben.
CHRISTINE JACKOB-MARKS CHRISTINE JACKOB-MARKS K O S M O S K O S M O S S A M U E L I S B A U M G A R T E G A L E R I E S A M U E L I S B A U M G A R T E G A L E R I E
CHRISTINE JACKOB-MARKS K O S M O S K O S M O S MALEREI 22. NOVEMBER 2025 - 21. FEBRUAR 2026 SAMUELIS BAUMGARTE GALERIE Niederwall 10 D – 33602 Bielefeld t +49 (0) 521 56031 0 info@samuelis-baumgarte.com www.samuelis-baumgarte.com
CHRISTINE JACKOB-MARKS K O S M O S K O S M O S CHRISTINE JACKOB-MARKS – KOSMOS UND ERINNERUNG Christine Jackob-Marks gehört zu den prägenden Stimmen der Berliner Kunstszene der letzten Jahrzehnte. Seit den 1980er Jahren hat sie ein malerisches Werk geschaffen, das zwischen innerer Erfahrung und äußerer Welt vermittelt – zwischen Wahrnehmung, Erinnerung und Energie. Ihre Malerei ist dabei stets mehr als ein visuelles Ereignis: Sie ist ein Prozess des Erkundens, ein Dialog zwischen Hand, Farbe und Bewusstsein. Bereits in den frühen Jahren, nach ihrem Studium an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin und einer Phase intensiver Auseinandersetzung mit der figurativen Malerei, entwickelt Jackob-Marks ein zunehmend autonomes Verständnis des Bildes. In den 1980er Jahren entstehen expressive, stark farbige Arbeiten, in denen sich die Erfahrung von Natur, Mythos und existenzieller Fragilität überlagern. In dieser Zeit tritt sie auch als gesellschaftlich engagierte Künstlerin hervor: 1994 gewinnt sie gemeinsam mit einem Team den ersten Preis im Wettbewerb für das Denkmal der ermordeten Juden Europas in Berlin – ein Entwurf, der wegen politischer Entscheidungen nicht realisiert, aber bis heute als Meilenstein künstlerischer Erinnerungskultur gilt. Diese Erfahrung prägt ihr Selbstverständnis tief: Kunst als Ort des Erinnerns, aber auch des Lebendigen, als Gegenkraft zum Vergessen. Ab den 2000er Jahren vollzieht sich in ihrem Werk eine allmähliche Wendung vom Figurativen hin zur gegenstandslosen, gestischen Malerei. Jackob-Marks löst die Form zunehmend auf, um innere Zustände, energetische Schwingungen und Lichtverhältnisse zu erfassen. Ihre Leinwände werden zu Resonanzräumen des Bewusstseins. Farbe wird nicht mehr gesetzt, um etwas zu zeigen, sondern um etwas erfahrbar zu machen. Diese Entwicklung kulminiert ab etwa 2010 in jenen großformatigen, vielschichtigen Arbeiten, die den Ausgangspunkt der aktuellen Ausstellung bilden. 2 | 3
Die Gemälde Universum (I) und Universum (II) (beide 2013) markieren den Beginn einer neuen Phase. In ihnen richtet sich der Blick nach innen – in einen Kosmos, der nicht astronomisch, sondern seelisch ist. Aus Schichten, Lasuren und Spuren formt sich ein vibrierendes Geflecht aus Farbe und Bewegung. Hier offenbart sich das Prinzip, das für ihr gesamtes Spätwerk zentral bleibt: Malerei als fortwährender Prozess, als Suchbewegung zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem. Die darauf folgenden Jahre führen diesen Ansatz in variierenden Tonlagen fort. In den Arbeiten um 2020 – etwa in den Serien der Gemälde ohne Titel – gewinnt das Materielle an Gewicht. Jackob- Marks experimentiert mit Verdichtung und Auflösung, mit Übermalung und Rücknahme, mit dem Rhythmus von Fläche und Tiefe. Ihre Bilder sind von einem stillen Atem durchzogen; sie wirken wie Momentaufnahmen einer inneren Bewegung. Einen Wendepunkt markieren die Werke Priele und Eiszeit (I) (beide 2023). Hier begegnet uns eine erdverbundenere, kontemplative Bildsprache. Farbe und Struktur werden ruhiger, sedimentierter. In Priele verschmelzen Wasser und Erde zu einer vibrierenden, horizontalen Fläche, in der die Zeit selbst zu fließen scheint. Eiszeit (I) dagegen führt die Bewegung in eine fast erstarrte Ruhe – als ob die Malerin den Moment des Schweigens sichtbar machen wollte. Diese Arbeiten zeigen eine späte Verdichtung ihres Ausdrucks: Bewegung verlangsamt sich zur Meditation. Mit den Bildern Nachtgeflüster, Nachtwanderung und Hurrikan aus dem Jahr 2024 öffnet Jackob- Marks erneut einen inneren Raum. Die Farben werden dunkler, die Energie verdichtet sich. Das Licht scheint nicht mehr von außen zu kommen, sondern aus dem Inneren der Leinwand zu leuchten. Besonders Hurrikan verbindet Auflösung und Ordnung in einer spiralförmigen Bewegung – ein Sinnbild für das Leben selbst, das Chaos umarmt und zugleich formt. Die jüngsten Arbeiten von 2025 – zarte, fast zeichnerische Gemälde und Tuschearbeiten auf Papier – wirken wie die Essenz dieses langen Weges. Die Linie tritt hervor, die Farbigkeit wird reduziert, das Licht sublim. Hier wird das Atmen selbst zum Motiv: das Kommen und Gehen der Form, das Schweben zwischen Sichtbarkeit und Auflösung. Der Kosmos ist nun kein Raum äußerer Kräfte mehr, sondern ein inneres Leuchten, ein Bewusstsein von Balance und Verbundenheit. Über vier Jahrzehnte hinweg hat Christine Jackob-Marks ein Werk geschaffen, das die Grenzen zwischen Natur, Erinnerung und Empfindung auflöst. Ihre Malerei ist getragen von einer tiefen Kenntnis des Flüchtigen – vom Vertrauen darauf, dass Form aus Bewegung entsteht und Bedeutung aus Erfahrung. In einer Zeit, die von Geschwindigkeit und Oberflächen geprägt ist, führt sie uns zurück zum Kern des Sehens: zum stillen, atmenden Erkennen des Lebendigen. Der Kosmos, den Christine Jackob-Marks sichtbar macht, ist kein ferner Sternenraum, sondern die Welt in uns – wandelbar, verletzlich und doch unendlich. Alexander Baumgarte 4 | 5
2013 OHNE TITEL 2013 Mischtechnik auf Leinwand 130 x 105 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 6 | 7
UNIVERSUM (II) 2013 Mischtechnik auf Leinwand 130 x 160 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 8 | 9
UNIVERSUM (I) 2013 Mischtechnik auf Leinwand 130 x 160 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 10 | 11
OHNE TITEL 2013 Mischtechnik auf Leinwand 160 x 130 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 12 | 13
COSMOS (I) 2013 Mischtechnik auf Leinwand 160 x 130 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 14 | 15
COSMOS (II) 2014 Mischtechnik auf Leinwand 130 x 1 60 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 20 | 21
OHNE TITEL 2014 Mischtechnik auf Leinwand 160 x 200 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 24 | 25
2023 EISZEIT (1) 2023 Mischtechnik auf Leinwand 80 x 100 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 26 | 27
NACHTWANDERUNG 2024 Mischtechnik auf Leinwand 100 x 80 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 32 | 33
OHNE TITEL 2025 Mischtechnik auf Leinwand 130 x 105 cm Rückseitig signiert, datiert, betitelt 36 | 37
MALEREI ALS ERKENNTNISPROZESS ZWISCHEN NATUR, ERINNERUNG UND EMOTION Christine Jackob-Marks wurde 1943 in Mainz geboren und gehört zu den markantesten Positionen der zeitgenössischen deutschen Malerei. Ihr Werk vereint emotionale Tiefe, malerische Freiheit und einen reflektierten Umgang mit Farbe, Material und Prozess. Jackob-Marks’ Arbeiten sind keine bloßen Abbilder der sichtbaren Welt, sondern Verdichtungen von Erfahrung – Bilder, in denen Natur, Geschichte, Erinnerung und Innerlichkeit in einen poetischen Dialog treten. Sie bewegt sich zwischen Informeller Malerei, feinsinniger Abstraktion und existenzieller Reflexion, wobei ihre Werke stets ein hohes Maß an sensorischer Intensität entfalten. Schon früh zeigte sich ihre künstlerische Neigung. Mit 17 Jahren zog sie nach London, um zunächst die Welt des Theaters an der Royal Academy of Dramatic Art zu erkunden. Der Besuch großer Museen wie der National Gallery, in der sie vor Renoirs Les Parapluies stand, entschied jedoch über ihren Lebensweg: Sie erkannte, dass die Malerei der Ausdrucksbereich war, in dem sie ihr innerstes Erleben, ihre Beobachtung der Welt und die Faszination für Licht, Farbe und Form realisieren konnte. Ein Jahr später setzte sie diesen Weg in Paris fort, wo sie an der Académie de la Grande Chaumière in der Klasse von Yves Breyer studierte. Dort begann sie mit Aktstudien und ersten Bildkompositionen, die ihre Beobachtungsgabe und das Erfassen von Bewegung und Körperlichkeit schärften. In den 1960er-Jahren zog Jackob-Marks nach Berlin, um an der Hochschule der Künste (heute UdK) bei den Professoren Hartmann, Jaenisch und Jansen Malerei zu studieren. Berlin, eine Stadt des Wiederaufbaus, der politischen Spannungen des Kalten Krieges und eines intellektuellen Aufbruchs, wurde zum geistigen Zentrum ihrer Entwicklung. In dieser Atmosphäre suchte sie nach einer künstlerischen Sprache, die Emotion und Reflexion, Körperlichkeit und Geist, Realität und Transzendenz miteinander verband. Sie experimentierte mit Farbe, Material und Form und entwickelte eine Technik, in der Pinselstriche, Farbflächen, Kratzspuren und pastose Aufträge zu einem Ausdruck innerer Bewegung verschmelzen. Nach ihrer ersten Ehe mit dem Architekten Volker Theissen, mit dem sie die Kinder Jessica und Felix hatte, zog die Familie in eine Villa in Berlin-Nikolassee, einst von Claus Schenk Graf von Stauffenberg bewohnt. Die Nachbarschaft brachte sie in Kontakt mit internationalen Künstlern des Berliner DAAD-Programms, darunter Lawrence Weiner, Franz Gertsch und Roman Opalka. Gertschs Fotorealismus und die expressiven Positionen von Markus Lüpertz oder Emil Schumacher beeinflussten Jackob-Marks’ frühes Werk, während die Begegnung mit unterschiedlichsten künstlerischen Strömungen sie zu einer eigenständigen Malpraxis inspirierte. Gleichzeitig beschäftigte sie sich intensiv mit sozialer Verantwortung und gesellschaftlichem Wandel im Nachkriegsdeutschland. Als Therapeutin für verhaltensauffällige Kinder sowie durch das Studium der Erziehungswissenschaften entwickelte sie ein tiefes Verständnis für menschliche Verletzlichkeit und Potentiale. Diese Erfahrungen flossen in ihre Malerei ein: Sie sah Kunst als heilenden, existenziellen Akt, als Möglichkeit, innere Prozesse nach außen zu übertragen und damit eine universelle, kommunikative Wirkung zu erzielen. Mit ihrer zweiten Ehe mit dem US- amerikanischen Pianisten Alan D. Marks erhielt ihr Werk eine neue Dimension.
Durch Marks’ jüdische Herkunft begann sie, sich intensiv mit der Geschichte des Holocaust auseinanderzusetzen. Ihre Malerei wurde zum Ort der Erinnerung, zum Medium der Reflexion über Leben, Tod, Vergänglichkeit und Dauer. Ab den 1980er-Jahren entstanden Stillleben, Tierbilder und symbolisch aufgeladene Kompositionen, in denen diese existenziellen Themen unmittelbar erfahrbar werden. Pferde, Hunde, Elefanten oder Affen – Tiere, die sie malt – tragen in ihrer Intensität die Lebendigkeit selbst und sprechen den Betrachter direkt an Der Wendepunkt ihrer öffentlichen Wahrnehmung war der Wettbewerb um das „Denkmal für die ermordeten Juden Europas“ in Berlin 1994. Zusammen mit Hella Rolfes, Hans Scheib und Reinhard Stangl gewann Jackob-Marks den ersten Preis. Ihr Entwurf, ein architektonisch klar strukturierter, aber emotional tief bewegender Gedenkort, wurde von der Jury um Walter Jens als wegweisend gelobt, jedoch aus politischen Gründen nicht realisiert. Diese Erfahrung, in der Kunst, Ethik und Politik unauflöslich verbunden waren, prägte ihr Denken nachhaltig und vertiefte ihr Interesse an der Verknüpfung von Erinnerung, Verantwortung und künstlerischem Ausdruck. Nach der intensiven Auseinandersetzung mit diesem Projekt wandte sich Jackob-Marks verstärkt der Malerei zu. Ihre Werke jener Zeit zeugen von einer engen Verbindung zwischen Klang und Farbe: Die Schubert-Interpretationen ihres verstorbenen Mannes inspirierten sie zu einer Malerei, die Musik, Rhythmus und Farbe zu einem poetischen Ganzen verbindet. Entstanden sind expressive Landschaften, Meeresbilder, Erdformationen und kosmische Visionen, in denen Spiralen, Wolkenformationen oder die Ränder von Tagebaulandschaften Chiffren existenzieller Erfahrung werden. In jüngeren Jahren wendet sich Jackob-Marks verstärkt den elementaren Kräften der Natur zu – Erde, Wasser, Luft und Feuer erscheinen in ihren Bildern als lebendige Energien, die miteinander interagieren. Der materielle Auftrag der Farbe wird zu einem Sinnbild für den Kreislauf des Lebens: Farbschichten werden aufgetragen und wieder abgetragen, Pigmente verlaufen wie Spuren der Zeit, und Linien brechen auf, als wollten sie sich vom festen Grund lösen. Ihre Malerei ist dabei stets ein Balanceakt zwischen Kontrolle und Loslassen, zwischen Wissen und Intuition. In Interviews beschreibt Jackob-Marks diesen Prozess als „eine Form des Hörens mit den Augen“, bei der sie sich in den rhythmischen Atem der Natur einschwingt und die Malerei zu einer Art Meditation wird. Zugleich beschäftigt sich die Künstlerin zunehmend mit Fragen der ökologischen Verantwortung und der Endlichkeit der Ressourcen – Themen, die sie nicht dokumentarisch, sondern poetisch umsetzt. Ihre großformatigen Leinwände aus den letzten Jahren, etwa die Serien Ashes, Tides oder Horizons, sind keine Anklagen, sondern stille Reflexionen über das Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt. In ihnen klingt ein leiser Appell an das Bewusstsein an, eine Einladung, die Welt nicht nur zu sehen, sondern zu spüren. Damit führt Christine Jackob-Marks ihre künstlerische Suche konsequent fort: Kunst als Erkenntnisprozess, als sinnliche und geistige Erfahrung, die das Leben in all seiner Fragilität und Schönheit sichtbar macht. Jackob-Marks’ Stil zeichnet sich durch die prozessorientierte Vorgehensweise aus: Farbe wird geschichtet, verwischt, getupft, gespachtelt und wieder übermalt, bis sich die gewünschte Dichte, Intensität und Bewegung im Bild einstellt. 44 | 45
Ihre Malerei entsteht nicht nach planvoller Komposition, sondern im Akt des Malens selbst – ein intuitiver, körperlicher Prozess, in dem das Material Farbe als Träger von Erfahrung, Emotion und Erinnerung fungiert. Die Werke sind dabei sowohl physisch als auch atmosphärisch: Sie bewegen sich zwischen Oberfläche und Raum, zwischen Materie und Lichtwirkung, zwischen Figuration und Abstraktion. Der Kunstkritiker Manfred Eichel bezeichnete ihre Arbeiten als „Seelenlandschaften“ – Bilder, in denen tatsächlich etwas passiert, die sich nicht damit begnügen, Vorhandenes exakt darzustellen. Die Naturinterpretationen Jackob-Marks’ haben „etwas zutiefst Theatralisches“: Sie lodern, flammen und scheinen in ständiger Bewegung, als befänden sie sich noch im Entstehungsprozess. Tiere und Landschaften werden zu Spiegeln des Lebendigen, in denen der Betrachter auf die eigene Wahrnehmung und das eigene Gefühl zurückgeworfen wird. Seit Mitte der 2000er-Jahre Ihre Malerei bewegt sich seither in einem Grenzbereich zwischen Landschaft und Abstraktion, zwischen Materie und Bewegung. Werke wie die Serie SOIL (Berlin, 2023) illustrieren diese prozessorientierte Informelle Malerei: Farbe und Bewegung werden Mittel zur Erkenntnis, das Werk entsteht im unmittelbaren Dialog zwischen Künstlerin, Material und Wahrnehmung. Christine Jackob-Marks unterrichtete an der Hochschule der Künste Berlin und der Thüringischen Sommerakademie, wodurch sie Generationen von Künstlerinnen und Künstlern inspirierte. löste Jackob-Marks die Figuration zunehmend auf. Seit 1988 wurde ihr Werk in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland präsentiert, unter anderem in der Galerie Poll Berlin, in der Kewenig Galerie auf Palma de Mallorca und seit den 1990er Jahren in der Samuelis Baumgarte Galerie Bielefeld. Heute lebt und arbeitet Christine Jackob-Marks in Berlin und auf Ibiza. Ihr Werk steht für eine Malerei, die atmet und in Bewegung ist – die das Sichtbare dynamisiert und das Unsichtbare erfahrbar macht. In einer Zeit visueller Überflutung bleibt ihre Kunst ein stilles, kraftvolles Plädoyer für die Wahrnehmung, das Sein im Moment und das schöpferische Potential des Malprozesses als Form geistiger Freiheit. Sie zeigt, dass Malerei nicht nur Darstellung ist, sondern Erkenntnis, Erinnerung und emotionales Erleben in Farbe und Form transformieren kann.
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