ART COLOGNE 2024

Stephan Balkenhol, geboren 1957, ist bekannt für monumentale, bemalte Holz- und Bronzeskulp- tuen. Balkenhols totemartige Plastiken erweitern die traditionelle Rolle von Statuen, indem sie ge- wöhnliche Menschen abbilden und keine gefeierten historischen Personen oder Idole. Werke wie „Schütze, 2021“ oder auch „Flügel, 2021“ sind typische Arbeiten für Balkenhol. Die Bronzegüsse sind in markanter, an Schnitzerei erinnernder, Manier angefertigt und erzählen archaische und soziale Geschichten. Insbesondere bei „Flügel“ ist die figurale Interaktion von Mann und Frau in einem ambivalenten Dialog dargestellt, der Raum für eigene Interpretationen liefert

Aufgewachsen in einem künstlerischen Umfeld arbeitete Alexander Calder als Presseillustra- tor für die National Police Gazette und trat 1923 der New York Art Students League bei, wo er Zeichenunterricht nahm. 1930 ging der Künstler nach Paris, wo sich Marcel Duchamp und Hans Arp aufhielten. Duchamp gab Alexander Calders motorbetriebenen Skulpturen den Namen „Mo- biles“, während Arp für die bewegungslosen Objekte den Begriff „Stabiles“ prägte. „The Clove, ca. 1936” und “Petit poteau jaune (Little Yellow Post), 1963” sind für diese beiden skulpturalen Ex- ponate miniaturisierte Beispiele. Das Stabile „The Clove“ wird dabei dialogisch durch die filigrane Leichtigkeit von „Petit poteau jaune“ ergänzt und zeigt die weite Bandbreite des Schaffens von Alexander Calder.

AUSSTELLUNGEN REVIEW 2024 ALEXANDER CALDER: SCULPTING TIME, MUSEO D’ARTE DELLA SVIZZERA ITALIANA (MASI LUGA- NO), LUGANO, SWITZERLAND 2023 ALEXANDER CALDER: SET MODERN ART IN MOTION, SEATTLE ART MUSEUM, SEATTLE, WA, UNITED STATES 2022 ALEXANDER CALDER - INTRICATE: CALDER AND THE POETRY OF SCIENCE, MUSEUM OF CON- TEMPORARY ART CHICAGO (MCA), CHICAGO, IL, UNITED STATES 2021 ALEXANDER CALDER. MINIMAL / MAXIMAL, NEUE NATIONALGALERIE, BERLIN, GERMANY ALEXANDER CALDER - MODERN FROM THE START, MUSEUM OF MODERN ART (MOMA), NEW YORK CITY, NY, UNITED STATES CALDER: GREAT YELLOW SUN, TEL AVIV MU- SEUM OF ART, TEL AVIV, ISRAEL ELEMENTAL CALDER, SAN FRANCISCO MUSEUM OF MODERN ART (SFMOMA), SAN FRANCISCO, CA, UNITED STATES

Das Werk des amerikanischen Bildhauers John Chamberlain (1927-2011), einem Pionier der Pop Art, lässt sich keiner bestimmten Stilrichtung zuordnen. Sein Interesse gilt stets dem Zusammen- spiel von Volumen, Struktur und Farbe sowie der Suche nach Ausdrucksmitteln, durch die er mit dem traditionellen Skulpturenbegriff brechen und die Grenzen zwischen Form und Malerei auf- lösen kann. Dabei greift er auf Elemente des Nouveau Réalisme und des Abstrakten Expressio- nismus zurück. Für seine ausgewogenen, kompakten Skulpturen verwendete er widerspenstige Materialien (wie Stahlreste, Gummi oder Plexiglas), die er kraftvoll bearbeitete und dann intuitiv zusammensetzte. Ab 1957 wurde er vor allem durch seinen ersten Einsatz von Karosserieteilen in der Kunst und seinen ungewöhnlichen Einsatz von Farben bekannt. Immer sind es farbige Auto- bleche, sowohl alte als auch fabrikneue, die er faltet, verbiegt, quetscht und zerknautscht und so seinem Veränderungswillen unterwirft, dass daraus meist leicht wirkende, teils sogar humorvolle Werke wie „Once Again Watson, 2001“ entstehen.

Die Werke der italienischen Künstlerin Amanda Chiarucci (*1974) beruhen auf Erfahrungen und Erlebnissen, die sie mit einem tiefgehenden philosophischen Verständnis und Wissen in ihren Werken verarbeitet. Dabei tauchen Assoziationen und Reflexionen zu ihrer Biografie und Fami- lienströmen in unterschiedlichen Teilen der Welt auf, verdichten sich und münden schließlich in ei- ner Phase der kreativen Gestaltung mit der raumgreifenden, dreidimensionalen Origami-Technik. Das Material für ihre innovativ collagierten und assemblierten Papierfaltungen, wie bei „Eyegate, 2024“, findet Chiarucci in alten Telefonbüchern, Stadtplänen und Landkarten, aber auch in Zeit- schriften, Romanen und Novellen, ja sogar in Millimeterzeichenpapier. Diese besondere Verwen- dung extra ausgewählten papierenen Materials und die Detailliertheit der Arbeiten ziehen den Betrachter in ihren Bann.

AUSSTELLUNGEN REVIEW 2022 ABISSO AMANDA | AMANDA CHIARUCCI SAMUELIS BAUMGARTE GALERIE, BIELEFELD, GERMANY 2020 ARTE FIERA BOLOGNA GALLERIA LARA E RINO COSTA CONTEMPORANEA, VALENZA PO (ALESSANDRIA), ITALY 2019 QUANTE STORIE SULLA LUNA...A CINQUANT‘AN- NI DALL‘ALLUNAGGIO, ITALY A CURA DI ANTONELLA E DANIELE COLOSSI, GALLERIA COLOSSI ARTE CONTEMPORANEA, BRESCIA, ITALY PERSONALE A CURA DI MATTEO GALBIATI, ITALY GALLERIA BONIONI ARTE, REGGIO EMILIA, ITALY 2018 GALLERIA LARA E RINO COSTA CONTEMPORA- NEA, VALENZA PO (ALESSANDRIA), ITALY BIENNALE DEL DISEGNO DI RIMINI A CURA DI MASSIMO PULINI, CANTIERE DISEGNO, ITALY RIMINI ARTE FIERA BOLOGNA GALLERIA LARA E RINO COSTA CONTEMPORANEA, VALENZA PO (ALESSANDRIA), ITALY BAF, BEGAMO ARTE FIERA GALLERIA LARA E RINO COSTA CONTEMPORANEA, VALENZA PO, ITALY (ALESSANDRIA), ITALY

Tony Cragg (*1949) ist einer der bedeutendsten und einflussreichsten Bildhauer unserer Zeit. Wichtig ist ihm die Visualisierung des Übergangs von einem amorphen Aggregatzustand in eine ausgereifte Gestalt, ein Prozess, den er mit der Fortentwicklung in der Natur vergleicht. In seinen zahlreichen Werkgruppen widmete er sich einer Fülle von Versuchsanordnungen und bildhaueri- schen Experimenten mit unterschiedlichsten Werkstoffen. Der Eindruck eines in den Skulpturen festgehaltenen Bewegungsmomentes, wie bei „Elliptical Column, 2021“ oder auch der verwand- ten Edelstahlskulptur „Stages 95, 2022“, verleitet zum Umkreisen des Kunstwerks, um es in immer neuen Ansichten kennenzulernen. Die Anmutung von Dynamik, Fließendem und Bewegtheit ste- hen in Craggs Werken im Kontrast zur Schwere des Materials.

Die Zürcher Konkrete, Marguerite Hersberger, 1943 in Basel geboren arbeitete vor ihrem Stu- dium einige Jahre im Bildhaueratelier von François Stahly in Paris. Nationale und internationale Bekanntheit hat Hersbergers Œuvre nicht nur durch ihre Objekte, sondern auch und insbeson- dere durch ihre zahlreichen Architektur-Projekte erlangt. Die Künstlerin, die kürzlich noch im Haus Konstruktiv in Zürich ausgestellt wurde, veranschaulicht in ihren jüngsten Werken konzipierte Farblichträume im Reduktionsprozess von Form, Farbe und Licht. Ihre bekannten von geometri- schen Formen als reinster Form bestimmten Farbschichtungen zeigen die ästhetische Kraft der Vereinfachung im Raum. In anderen Arbeiten benutzt Marguerite Hersberger Acrylglas und Pig- mente. Diese Kästen mit dem sprechenden Titel „Fluide Farbräume, 2024“ sind Räume aus Farbe und Licht, die ihrer Umgebung eine besondere Bedeutung verleihen. Ergänzt werden sie von der schmal aufragenden „Prisma Skulptur, 2018“, die aus verschiedenen Blickwinkeln das Acrylglas in ein Lichtspiel versetzt.

Janus Hochgesand (*1981 in Dierdorf) bezeichnet seine Gemälde als „High Intensity Paintings“ - Bilder, deren Form und Inhalt verdichtet sind und eine hohe Konzentration von Materialschich- tungen aufweisen. Die Gemälde entstehen, indem der Künstler mit dem Besen oder Staubsauger großzügig auf die Leinwand geschüttete Pigmente abträgt und in Wiederholungen durch Auf- schütten und Wegnehmen bearbeitet. Den Weg zu seiner Praxis fand Hochgesand über die Bild- hauerei. Als Student bei Andreas Slominski und später an der Städelschule bei Tobias Rehberger stellte er fest, dass die Leinwand, immer flach auf den Atelierboden gelegt, sein Medium ist. In den Überlagerungen von Farbschichten greift der Künstler die Ästhetik des Abstrakten Expressionis- mus und des Informel auf, verdichtet diese Einflüsse jedoch auf seine eigene performative Weise zu Malereien, bei deren Entstehung Musik im Studio eine tragende Rolle spielt.

Markus Lüpertz ist einer der bekanntesten deutschen Künstler. Zu Berühmtheit gelangte Lüpertz zu Beginn der 1960er Jahre durch seine „Dithyrambische Malerei“. Gemeint sind damit auf wenige Farben begrenzte Gemälde, auf denen abstrakte Gebilde oder schwebende Formkonstruktionen in einem reduzierten Bildraum zu sehen sind. Bis heute bildet der Gegensatz von Figuration und Abstraktion, Wirklichkeit und Mythos eine gültige Basis für Markus Lüpertz‘ künstlerischen Aus- druck. In der Erkundung verschiedener Medien entwickelt er das Neue aus dem Alten, wobei sein Blick bis zu den Anfängen der westlichen Kultur zurückreicht: die griechische Antike. Und so hüllt Markus Lüpertz die Antike nicht nur in seinen Gemälden und Zeichnungen in ein neues Gewand, sondern auch und mit besonderem Nachdruck in seinen in Bronze gegossenen Skulpturen, wie „Harlekin 2021“. In dessen melancholisch verinnerlicht zum Himmel erhobenen Blick offenbaren sich klassische Themen der Bildhauerei: Fragen nach Ansicht, Proportion, Ponderation, Reprä- sentation und Ausdruck.

Der 1979 geborene Spanier David Magán wuchs in Madrid auf, wo er zwischen 1999 und 2004 an der Kunstschule von La Palma ausgebildet wurde. Seine ersten Arbeiten basierten auf der Tradition der Glasmalerei, entwickelten sich jedoch bald weiter, indem er das Glas von seinem Träger befreite und sich auf das Zusammenspiel von durchscheinenden Farbflächen im Raum konzentrierte. Aber es sind Acryl und die Verwendung industriellerer Produktionstechniken, die ihm eine größere formale Flexibilität und eine größere Präzision bei der Übertragung seiner Ideen ermöglichen. Auf diese Weise und indem er seine Anliegen in verschiedenen Medien zum Aus- druck bringt, beginnt er mit der Arbeit an Reliefserien. In den letzten Jahren führt ihn sein Inter- esse an der Kontrolle und Modulation des von farbigen Acrylfarben projizierten Lichts zu seinen ersten Lichtarbeiten, den Binaries, wie der Reliefarbeit „Binaria 011 v.01. 2017“. Durch die gezielte Brechung des Lichts entstehen dabei genau berechnete Brechungen in einer breiten Farbschat- tierung auf Wand und Boden. Dabei erweitert die kubisch-hängende Raumskulptur „p10-60 v.04, 2020-22“ das modulierte Licht im Raum, in einer für Magán charakteristischen Prägnanz spekt- raler Variation.

Die Werke des Berliner Malers Hans-Jörg Mayer (geboren 1955) sind figurative Konzeptbilder und leuchtendes Pop-Trash Phänomen. Sie sind Mischformen in ständiger Metamorphose. Male- rische Ästhetik, die sich öffnet und gleichzeitig der Deutung versperrt. Zweifelnd, aufreibend, ein wenig obszön. Hans-Jörg Mayer versteht das Malen als Prozess: was malt man und was malt man nicht, wie denkt man und wie nicht, wie bringt man Malerei auf den Punkt? Figürlich, konzeptionell und emotional. Die Gemälde Mayers sind in diesem ästhetischen Diskurs kongeniale Gesprächs- partner. Mayer lebt künstlerisch für die Figuren und Geschehnisse, die in seinen Gemälden ihr Potential entfalten. Dass diese Figuren zumeist keine realen Personen darstellen, sondern aus Vorbildern komponiert sind, steigert ihre Wirkung ebenso wie die Allegorik und Phantastik der dargestellten Szenerien: sie sind dabei nicht das Ziel der gemeinsamen Reise, sondern der Aus- gangspunkt. Betrachtet man Mayers Malerei in dieser Folge, sieht man die Metamorphosen, wie bei „THEY II, 2023“, das Hybridhafte seiner Bilder – cool, rätselhaft und ambivalent.

Frank Philip Stella (1936-2024) war ein amerikanischer Maler, Bildhauer und Grafiker, der für seine Arbeiten im Bereich des Minimalismus und der post-painterly abstraction bekannt ist. In den spä- ten 1950er Jahren zog er nach New York City, wo er Werke schuf, die das Bild als Objekt betonten. Die New Yorker Kunstwelt wurde 1959 auf ihn aufmerksam, als seine vier schwarzen Nadelstrei- fenbilder im Museum of Modern Art ausgestellt wurden. Die 1970er Jahre waren ein entscheidendes Jahrzehnt in Frank Stellas künstlerischer Laufbahn, das 1970 begann, als Stella im Alter von 34 Jahren seine erste umfassende Retrospektive im Museum of Modern Art erhielt und damit der jüngste Künstler war, dem diese prestigeträchtige Ehre zuteilwurde. Nachdem er einen Großteil der späten 1960er und frühen 1970er Jahre damit verbracht hatte, mit geformten Leinwänden zu arbeiten und unerwartete skulpturale Kompositio- nen zu schaffen, kehrte der Künstler Mitte der 1970er Jahre zu seinen ikonischen konzentrischen Quadraten zurück. Über die Bedeutung dieser Bilder sagte Stella: „Die konzentrischen Quadrate schufen einen ziemlich hohen, ziemlich harten bildnerischen Standard. Ihre einfache, eher de- mütigende Wirkung - fast eine betäubende Kraft - wurde zu einer Art ‚Kontrolle‘, an der meine zunehmende Tendenz in den siebziger Jahren, extravagant zu sein, gemessen werden konnte.“ Die Scramble-Serie mit ihrer extremen chromatischen Intensität und dem phänomenalen Wahr- nehmungseffekt, der durch die beiden diametral entgegengesetzten Raster erzeugt wird, kann als wahrer Höhepunkt der konzentrischen Quadrate angesehen werden, wie in Scramble ein- drucksvoll zu sehen ist: „Green Double/Left N, Right 8‘

Victor Vasarely (1908-1997) gilt als einer der Hauptvertreter der Op-Art. Sein Interesse an abs- trakten Formen entstand in seiner Jugend, als er in den U-Bahnstationen von Budapest die geometrisch verbauten Kacheln sah und sich in den Rissen und Sprüngen der Fliesen Vor- und Rücksprünge vorstellen konnte. Diese Anekdote definiert bereits das, was Vasarelys Kunstwerke ausmacht: er schafft es, die Zweidimensionale der Leinwand und des Papiers durch Aneinander- reihung von Farbflächen optisch aufzubrechen. Je nach Blickwinkel entwickeln die Werke sich im Auge des Betrachters auf eine andere Weise. Es entstehen optische Illusionen wie z.B. Drehung oder Zittern der einzelnen Farbflächen sowie der Eindruck von Dreidimensionalität. Leinwand- arbeiten wie das großformatige Werk „Terries II, 1973-75“ oder auch „KAT-KUB, 1973-75“ sind he- rausragende Beispiele für Vasarelys charakteristischen Stil.

AUSSTELLUNGEN REVIEW 2024 DIE DRITTE DIMENSION IM BILD, GRUPPENAUS- STELLUNG, KUNSTHALLE WÜRTH, GERMANY 2023 VICTOR VASARELY | ANOTHER DIMENSION, A&R FLEURY, PARIS, FRANCE 2020 VICTOR VASARELY, VANCOUVER ART GALLERY, VANCOUVER, BC, CANADA 2019 VASARELY - HOMMAGE Á 1969, VASARELY MU- SEUM, BUDAPEST, HUNGARY VICTOR VASARELY / 1940-1990, GALERIE MO- DERNA - AUCTIONS AND EXHIBITIONS, PRAGUE, CZECH REPUBLIC VICTOR VASARELY: PEINTURES, COLLAGES ET MULTIPLES, GALERIE GIMPEL & MÜLLER, PARIS, FRANCE VASARELY - SHARING FORMS, CENTRE POMPI- DOU, PARIS, FRANCE VICTOR VASARELY - UNE AVENTURE DE 75 ANS CHEZ DENISE RENÉ, GALERIE DENISE RENÉ, PARIS, FRANCE